A terrifying ride down the Lost Highway

Après le double concert de Bercy en février, AC/DC revient au Stade de France, 8 ans après son premier passage dans ce lieu hautement symbolique. Il y a des chances pour que ce concert archi-complet depuis longtemps (80 000 personnes, ça reste rare dans notre beau pays) fut le dernier - à jamais - en France. L'envie de faire des albums, et encore plus des tournées, s'est fortement émoussée, comme le montre le délai entre Stiff Upper Lip et Black Ice. Et il est difficile d'imaginer Angus Young, 54 ans cette année, faire ce qu'il fait encore sur scène une fois passé 60 ans, si le groupe observe encore un tel hiatus d'ici un hypothétique prochain opus. En outre, Brian Johnson approcherait alors, quant à lui, les 70 ans...

Inutile de se torturer en attendant, mais impossible de ne pas y penser non plus. Du coup, le stade entier était venu prendre sa leçon (ultime ?) de rock n' roll. Sur le plan de la prestation, pas de grandes différences avec Bercy : pratiquement pas de pains, et une énergie sidérante par rapport à la moyenne d'âge des membres. La setlist comportait un titre de plus (l'excellent Dog Eat Dog, chouette choix un peu plus pointu que le reste), et le solo de Let There Be Rock était indiscutablement plus long. C'était aussi le moment émouvant : Angus, surélevé sur sa plateforme planté presque au milieu de la pelouse, avec toutes les poursuites braquées sur lui, renvoyait une image presque christique du rock.

Setlist:
Rock N' Roll Train
Hell Ain't a Bad Place to Be
Back in Black
Big Jack
Dirty Deeds Done Dirt Cheap
Shot Down in Flames
Thunderstruck
Black Ice
The Jack
Hells Bells
Shoot to Thrill
War Machine
Dog Eat Dog
Anything Goes
You Shook Me All Night Long
T.N.T.
Whole Lotta Rosie
Let There Be Rock

Rappels:
Highway to Hell
For Those About to Rock (We Salute You),

Yann Arthus-Bertrand et son producteur Luc Besson ont bien réussi leur plan promo, la sortie simultanée de Home sur tous les médias possibles a eu le retentissement escompté ; pour l'effet à long terme sur les consciences, c'est autre chose, mais au moins ils auront essayé tout azimut. Personnellement, ce qui m'intéressait, c'était de voir la version intégrale au cinéma, le grand écran étant probablement le meilleur endroit, de toute façon, pour un impact esthétique maximal. Comme pas mal de monde, j'ai des livres de photos de Yann Arthus-Bertrand (Paris vu du ciel, New-York vu du ciel...), et il faut avouer qu'il est fort le bonhomme, dans son domaine. Or c'est bien cet esthétisme transposé sur grand écran que je souhaitais confronter.

Rien à redire, il y a de quoi être hypnotisé par la beauté des images, cette fois en mouvement, avec des travellings vraiment élégants et judicieux (le zoom arrière partant d'un gros plan sur un container et dévoilant les centaines d'autres containers empilés comme des legos sur des dizaines de mètres de hauteur d'un monstrueux cargo permet de prendre la mesure de la... démesure).

Il faut par contre accepter de se cogner pendant presque 2 heures un discours très moralisateur, voire accusateur ("toi l'homo sapiens, l'homme qui pense, tu es arrivé il y a 200 000 ans seulement, et ton activité met en péril un équilibre de 4 milliards d'années..."). Certes, c'est l'acteur Jacques Gamblin qui assure la voix-off, mais on a l'impression que c'est Yann Arthus-Bertrand en personne qui se permet de jouer le père fouettard. C'est probablement une bonne idée au départ, car ça permet d'interpeller le quidam d'une façon un peu singulière et obtenir son écoute. Mais à la longue, c'est vraiment lassant. D'autant que nous sommes assommés de chiffres et de statistiques, qu'on oublie très vite en sortant de la salle.

L'impact des images est donc diminué, sur la longueur, par cette voix-off trop pesante, qui martèle des messages lourdingues ("tout s'accélère", "tout est vivant, tout est lié"), et par la musique un brin pompeuse. A force de vouloir trop démontrer et trop nous faire culpabiliser, Arthus-Bertrand tombe donc légèrement dans le travers de la grandiloquence. Il est intéressant de comparer l'efficacité du procédé extrême inverse : aucune voix-off, aucune explication, comme dans le stupéfiant documentaire Notre pain quotidien, qui est une remarquable leçon de montage et de cadrage.

Reste qu'à la fin, on n'a plus trop envie de manger de la viande (j'aurais au moins retenu qu'il faut 13 000 litres d'eau pour "fabriquer" 1 kg de viande), et on se sent confusément coupable de tout. Il a réussi son coup ! Mais... mais... revirement de situation : in extremis, le ton change, Arthus-Bertrand a vu plein de choses encourageantes, "il est trop tard pour être pessimiste", il y a plein de raisons d'espérer, ouf ça va mieux... Bon, vous m'aurez compris, c'est destiné à un très large public, mais faut-il pour autant adopter cette méthode de commentaire ?

6/10

Et ça continue ! Après le chef d'œuvre Tokyo Sonata, prix du jury en 2008 à Cannes, le Japon nous assène un autre uppercut, l'Oscar du meilleur film étranger en 2009 : Departures (titre original, Okuribito). Quand on pense que la France défendait ses chances pour cet Oscar avec Entre les murs, on mesure mieux le casse effectué par notre docu-fiction national à Cannes en 2008...

En effet, Departures place la barre à un tout autre niveau. L'histoire a de quoi déconcerter : un violoncelliste tout juste passé professionnel voit son orchestre dissous. Par nécessité financière, il répond à une annonce pour un emploi "d'aide aux départs", imaginant avoir affaire à une agence de voyages. Il découvre finalement qu'il s'agit d'une entreprise de pompes funèbres. Plongé dans ce monde peu connu, il va découvrir les rites funéraires, tout en cachant à sa femme sa nouvelle activité, en grande partie taboue au Japon.

Ceux qui ont vu un des chefs d'œuvre du petit écran, Six Feet Under, n'ont pas besoin d'être convaincus que le thème de la mort peut s'avérer absolument passionnant, et drôle par dessus le marché. C'est exactement ce qui se passe avec Departures, qui réussit le passage du rire aux larmes avec une facilité déconcertante. De surcroît, les rites traditionnels funéraires de la mise en bière au Japon diffèrent totalement de ce qu'on peut connaître en Occident, et ils sont littéralement fascinants à observer. L'élégance, la tendresse, l'humanité, et l'amour qui se dégagent de ces rites codifiés et chorégraphiés permettent de toucher des cordes très sensibles qui rendent certaines scènes du film belles à en pleurer. Le contraste est d'autant plus mordant avec les réactions souvent violentes des proches des défunts qui assistent aux rites.

Le réalisateur Yojiro Takita, apparemment peu connu dans son pays, devient à surveiller de près. En tout cas, il est inutile de dire quoi que ce soit de plus sur le film, ce serait en gâcher le plaisir. Il faut simplement aller le voir, d'autant qu'il possède une magnifique bande-originale lyrique.

9/10

Les comptes-rendus des soirées de dégustation et les commentaires sur les bouteilles sont désormais exclusivement sur ce blog dédié : http://dramtheater.free.fr. Bonne lecture !

Pour son 13e long-métrage, Sam Raimi renoue enfin avec le genre horrifique qui a fait sa réputation ! Je n'ai rien contre la saga Spider-Man, mais il est relativement pénible de voir des réalisateurs de cette trempe accaparés par des gros projets hollywoodiens où leur personnalité surnage tant bien que mal. Néanmoins, l'assise financière ainsi acquise a permis à Sam Raimi (qui occupe aussi le siège de co-producteur) et son frère (au scénario) de se lancer dans ce long-métrage en ayant une totale liberté artistique. Et le résultat est jubilatoire !

Jusqu'en enfer est une fable horrifique extrêmement divertissante grâce à son rythme infernal et son humour sadique ravageur. De plus, les frères Raimi ont eu l'excellente idée de la placer dans un contexte social ô combien pertinent. Pour satisfaire son patron et espérer ainsi monter en grade, une employée de banque (Alison Lohman) refuse une prolongation de crédit à une vieille femme gitane. Pas de chance, la mauvaise vieille devient une furie (incroyable scène du parking sous-terrain) et lui lance un sort qui lui laissera trois jours tourmentés avant que son âme ne soit réclamée par la créature du Lamia...

Raimi ressert tous les clichés des (bons) films d'horreur, mais avec une fraîcheur de mise en scène et un impact sonore tellement ébouriffant que le résultat est hautement festif. L'équilibre entre horreur et humour est remarquable et constitue la clé de ce spectacle jouissif de bout en bout, qui n'est pas sans rappeler Evil Dead pour ses excès et ses effets spéciaux artisanaux. Remarquons aussi la prise de risque fort bien négociée d'Alison Lohman, qui ajoute de surcroît un grand réalisateur de plus à sa filmographie, après Ridley Scott, Tim Burton et Atom Egoyan.

8/10