A terrifying ride down the Lost Highway

J'ai pas vu le premier film de James Marsh (Wisconsin Death Trip, 1999), et j'avoue être allé voir The King avant tout à cause de la présence de Gael García Bernal, le prodigieux acteur mexicain révélé par Alejandro González Iñárritu dans le non moins génial Amores Perros (2000). Bernal a ensuite confirmé tout le bien qu'on pensait de lui avec des réalisateurs prestigieux comme Alfonso Cuarón (Y Tu Mamá También, 2001), Pedro Almodóvar (La Mala Educación, 2004), et Walter Salles (Carnets de Route, 2004).

Bernal semble avoir une attirance pour les personnages forts, ambigus voire déviants. Il ne faillit pas ici la règle en incarnant Elvis Sandow, un jeune marin de 21 ans qui vient de quitter la Navy, et qui est à la recherche de son père qu'il n'a jamais connu. Il découvre que celui-ci (William Hurt) est en fait le pasteur d'une église baptiste en plein essor du Texas. Marié à une femme ravissante, Twyla (Laura Harring, la brune ténébreuse fascinante de Mulholland Drive, hélas réduite ici à un rôle trop secondaire), et père de deux enfants, le pasteur ne veut rien avoir à faire avec Elvis qui lui rappelle un passé fâcheux pour un pasteur (fréquentation de prostituées, Elvis étant né d'une telle relation). Petit à petit, Elvis commence néanmoins à se lier à la famille et tout est prêt pour un dynamitage de la quiétude de cette famille qui va se retrouver confrontée à un drame inattendu.

Une violence rare mais brute, et un cynisme stupéfiant font l'intérêt de The King, où la fièvre évangélique à l'américaine est attaquée de manière frontale. Le film prend à bras-le-corps des tabous qui en dérangeront plus d'un, et qui font basculer inexorablement le récit vers l'horreur.

Cette audace est plutôt rare de nos jours et l'intensité du jeu de Gael García Bernal et de William Hurt (décidément en forme après A History Of Violence de Cronenberg) portent The King vers la catégorie des films à voir absolument pour se rendre compte de la bonne santé des réalisations américaines quand elles échappent au formatage hollywoodien.

Même si ce n'est pas un chef d'oeuvre (manque de rythme certain), tout cinéphile qui se respecte devrait tenter de voir cette tragédie perverse assez effrayante sur l'Amérique profonde et puritaine.

7/10

C'était mon quatrième concert depuis l'arrivée de Steve Morse, j'ai vu Deep Purple sur chaque tournée avec Steve Morse (pour Purpendicular, Abandon, Bananas et donc Rapture Of The Deep).

J'ai trouvé la prestation du 24 janvier phénoménale, bien au-dessus du concert du 29 juin 2002 dans la même salle.

Il y a de nombreuses raisons à cela :

- un Ian Paice bien plus dans le coup ; je trouvais qu'il fatiguait l'autre fois à mi-chemin du concert, mais cette fois... la méga pêche jusqu'au bout !

- Une complicité de tous les instants de la part de Don Airey et de Steve Morse,

- un Don Airey justement totalement intégré et au plaisir de jouer communicatif,

- une production sur scène sans commune mesure avec toutes les tournées précédentes : superbes lights, backdrop, écrans géants... la grande classe.

Ian Gillan ne se permet plus de crier à gorge déployée, mais il reste juste ce qui est bien le principal.

Roger Glover et Steve Morse font le show, comme d'habitude, et à chaque fois que je revois Steve Morse, je suis totalement écoeuré ; c'est à chaque fois la plus belle leçon de virtuosité et de bon goût que je connaisse. Il a une nouvelle guitare Musicman avec certaines particularités techniques explicitées par the man himself ici, dont nous avons eu une idée de l'intérêt lors de son solo guitare (qui se transforme en véritable morceau classico-rock). C'est d'ailleurs le seul guitariste d'un vrai groupe que je vois autant acclamé à la fin d'un "solo". C'est tout sauf chiant.

Dire que Deep Purple a dépassé mes attentes est un doux euphémisme ; à chaque fois, je me dis "quand même, ils vont bien finir par diminuer un peu...", à chaque fois je m'attends à ce que ce soit un peu moins bien qu'avant, mais qu'est-ce que j'ai tort... !

La setlist, de tête :

Pictures of Home
Things I Never Said
Wrong Man
Ted the Mechanic
Living Wreck
Rapture of the Deep
Back To Back
Before Time Began
Contact Lost
Well-Dressed Guitar
Lazy
Keyboard Solo
Perfect Strangers
Junkyard Blues
Kiss Tomorrow Goodbye
Space Truckin
Highway Star
Smoke on The Water
Speed King
Black Night

Contrairement aux tournées pour Abandon et Bananas, le groupe semble plus confiant dans son nouvel opus car ils ont joué pas moins de 6 titres tirés de ce dernier ! J'avoue qu'ils m'ont d'ailleurs plus convaincu que sur disque.

Je note la bonne surprise de "Living Wreck" (tiré de In Rock), que je n'avais jamais vu sur scène, et pour cause, je crois qu'elle n'avait jamais été jouée... ou peut-être lors de quelques concerts à l'époque de In Rock ! Les puristes me corrigeront.

J'avoue avoir été un peu écoeuré à l'avance par le rémue-ménage médiatique entourant ce film : Lion d'Or à Venise, favori aux Oscars, encensement presque général par la presse... Pourtant, le fait que le film soit réalisé par Ang Lee ne présageait pour moi rien d'excitant, et j'avoue avoir cédé à la pression uniquement pour Jake Gyllenhaal, un des rares acteurs pour qui j'irai voir un film, indépendamment de son réalisateur ou son sujet.

D'emblée, j'ai envie de faire remarquer que je ne comprends pas les termes employés par la presse à propos du film en parlant de "western gay". Que ces professionnels (?) revoient leur dictionnaire : un western, c'est un film dont l'action se situe dans l'Ouest américain à l'époque des pionniers et de la conquête des terres sur les Indiens. Brokeback Mountain n'est donc pas un western. Contrairement à ce que j'ai pu lire parfois aussi, les deux héros du films ne sont pas non plus des cow-boys (cow-boy = gardien d'un troupeau de bovins), puisque ce sont des bergers. Vaches et moutons semblent être la même chose pour certains critiques, passons.

J'ai envie de citer Positif pour résumer mon sentiment à propos de ce film : "[...] l'ensemble sombre assez vite dans le mélodrame lourdaud où tout est surligné et dans la guimauve, alors que le sujet appelait rigueur et âpreté".

Et voilà le problème ! Mais voici aussi la raison probable de ce gros succès public... Je ne veux pas jouer là au cinéphile élitiste et tant mieux si ce film semble "bouleversant", "touchant", etc., pour le "grand" public. Le cinéma a besoin de de genre de succès, d'autant plus qu'on n'est évidemment pas dans du cinéma débilisant. Je trouve hélas que Ang Lee ne fait pas là preuve d'une grande habileté dans la mise en scène de cette histoire, et je souhaite citer un exemple par d'autres : le montage vraiment très pauvre, avec un parallélisme pénible (car millimétré et sans surprise) entre la situation de Jack et Ennis ; on voit la vie de chacun des deux amants se dérouler sans surprise quant à ce qui leur arrive, chacun bénéficiant du même nombre de minutes.

C'est dommage ; passé le début du film, plutôt réussi dans l'établissement de la liaison entre les deux hommes (même si Ang Lee fait là encore preuve de lourdeur dans sa façon de filmer les paysages comme des cartes postales), le reste n'est que tentative pataude de faire pleurer les chaumières avec des ficelles archi-classiques, sur un sujet certes encore un peu neuf pour Hollywood.

7/10

Je ne suis habituellement pas client de ce genre de comédie, d'autant plus que je ne connais pas bien Kad & Olivier, alias Kad Merad et Olivier Barroux, et que je n'ai pas vu Mais qui a tué Pamela Rose ? (2003), le premier film qu'ils ont écrit ensemble.

Néanmoins, la bande-annonce m'avait séduit, par son côté absurde ; espérant toujours un digne successeur à La Cité de la Peur des Nuls, je suis donc allé voir Un Ticket pour l'Espace le jour de sa sortie.

Ce successeur, j'ai bien cru qu'on le tenait pendant les premières minutes du film ; tout rappelait l'humour absurde, décalé et sans concession des Nuls. Hélas, malgré un pitch relativement original et pouvant augurer du meilleur (dans la lignée d'Objectif Nul !), force est de constater que cette comédie se retrouve ensuite rapidement nivelée par le bas.

La faute peut-être à un objectif de ratisser large ; en dehors de quelques gags audacieux qui rappellent par moments les fausses promesses du début, l'ensemble prête gentiment à sourire mais ne s'éloigne finalement guère des comédies françaises très grand public, sans grande personnalité donc.

Kad & O m'ont paru être de bons acteurs, et en tout cas ont l'air d'y croire bien plus que les acteurs professionnels français comme Marina Foïs (largement sous-employée, qui se contente de faire l'imbécile comme au temps des Robins), Guillaume Canet (toujours aussi exécrable acteur), et surtout André Dussollier qui semble un peu ailleurs.

Comme H2G2 : le guide du voyageur galactique (The Hitchhiker's Guide to the Galaxy, 2005), voici encore une comédie se situant dans l'espace, dont les ressorts comiques restent largement sous-exploités. Occasion ratée, mais film de divertissement grand public, consensuel, qui devrait faire un carton en prime time sur TF1.

6/10

J'ai une fois de plus pris une sacrée claque avec Stephen Frears, dont le dernier opus Mrs. Henderson Presents m'a totalement ravi : c'est fin, drôle, intelligent, émouvant, c'est du cinéma "à l'ancienne" comme on en fait presque plus. Sur le papier, je n'en attendais rien car l'histoire n'est pas des plus à même de susciter la curiosité.

En sortant de la salle, j'étais transporté de voir qu'il y a encore des résistants comme Frears. Evidemment, c'est plus "léger", plus "divertissant" que son avant-dernier film, Dirty Pretty Things (2002), mais tant mieux, le bonhomme change tout le temps de sujet et avec bonheur... chapeau.

Difficile de s'étendre sur un film regorgeant de qualités (scénario, mise en scène, musique, interprétation...) : c'est à voir pour comprendre. Les divertissements intelligents sont devenus rarissimes, ne ratez pas celui-là.

Lecture recommandée : la seule interview de Stephen Frears accordée en France à Positif dans son numéro de janvier.

10/10