A terrifying ride down the Lost Highway

Arnaque. Slevin parle d'arnaque (et de manipulation, de vengeance...), mais le film lui-même est une belle arnaque.

Belle parce que la mise en scène est chiadée, mais boursouflée d'effets classieux et finalement vains au vu du contenu. Arnaque parce que le spectateur y perd son temps, tellement Slevin tente de s'approprier pêle-mêle du Tarantino, du Richie, du Singer, du Fincher... sans jamais parvenir à la même maîtrise.

Josh Hartnett, qui incarne le personnage principal, est ici hélas totalement transparent. Le reste du casting est pourtant prestigieux : Bruce Willis, Lucy Liu, Morgan Freeman et Ben Kingsley ! Mais ils apparaissent ici bien pâles, faute au scénario qui les laisse avec des personnages caricaturaux et très peu développés.

Le scénario préfère se concentrer sur les rebondissements et sur la façon de jouer avec le spectateur. Mais celui-ci, rompu aux roublardises, voit venir les astuces. Il faut donc être un peu plus créatif que ce que Slevin propose paresseusement ici, car on voit venir le twist principal de loin. Et une fois que ce qu'on pensait est vérifié, s'ensuit une longue explication du pourquoi et du comment. Lourd ! Les 110 minutes de Slevin passent donc mollement, et le film n'échappe pas à une classification sans appel : série B fade et artificielle. A regarder dans un avion, et encore...

4/10

Ca y est, les films de l'été sont arrivés. On les reconnaît à leur total manque d'ambition cinéphile, leur vocation est de simplement de distraire le vacancier entre plage et barbecue.

Nos jours heureux répond à cet objectif avec succès, et reconnaissons-le, sans vulgarité crasse, ce qui est déjà pas mal. C'est donc une comédie populaire, mais au sens noble du terme.

Toute la famille pourra aller voir les aventures de ce directeur de colonie de vacances (Jean-Paul Rouve, le seul véritable acteur du film, toujours aussi bluffant de naturel), car le film croque avec tendresse les travers des moniteurs aussi bien que ceux des enfants, et passe en revue chaque cliché du bon temps passé en colonie de vacances. Les parents seront donc un brin nostalgiques, et les gamins s'identifieront sans doute à un de ceux du film.

C'est donc globalement gentil, politiquement correct, la réalisation est terriblement au ras des pâquerettes mais le montage assez dynamique fait passer la pilule. C'est inoffensif et ce n'est à voir que si on est fan de Jean-Paul Rouve ou s'il n'y a que ça qui passe dans le ciné près du camping.

6/10

En 1986, le heavy metal devint la musique la plus populaire à travers le monde, et un peu partout, les ados portaient les cheveux longs et faisaient le signe des cornes du diable. Mais ça n'était pas du goût de tout le monde. Les musiciens de Metal furent accusés de pousser les jeunes au suicide ou au meurtre. Le heavy metal était le nouveau démon à abattre, et les fans de metal mis au ban de la société.

Sam Dunn, anthropologue et fan de ce mouvement, s'engage dans un voyage à travers le monde entier pour comprendre pourquoi cette musique a été si longtemps stéréotypée et critiquée et pourtant adorée par des milliers de fans : un voyage au coeur de la bête.

Voilà un synopsis diablement alléchant, mais pas forcément fidèle au contenu de ce documentaire, hélas bien trop court : un peu plus d'1h30. Du coup, pour effectuer ce "voyage au coeur de la bête", Sam Dunn passe par beaucoup de chapitres consacrés à l'histoire du métal, qui font perdre un temps précieux et qui rendent la véritable réflexion bien trop rare.

Facile à dire, mais c'était un peu mission impossible : un tel sujet aurait mérité une durée bien plus longue, quitte évidemment à rendre le documentaire trop "élitiste", pour les seuls amateurs de métal (ou les mélomanes vraiment curieux et ouverts). Tel quel, le documentaire est bien entendu accessible à un plus large public, mais les connaisseurs restent donc sur leur faim. Dur...

Ces réserves exprimées, il ne reste plus qu'à ne pas bouder son plaisir, car il est déjà assez extraordinaire qu'un tel documentaire ait pu être financé, et surtout, qu'il trouve un distributeur dans notre frileux pays. Il faut donc que les amateurs sincères se rendent autant que possible dans les quelques salles pour le voir (et ne se contentent pas d'un téléchargement pirate...) si on veut que peut-être, d'autres initiatives de ce style (plus poussées ?) voient le jour.

Sam Dunn a en effet rencontré beaucoup de grandes figures du hard rock et du heavy metal, et souvent ceux qui ont des choses intelligentes à dire, citons notamment Geddy Lee (bassiste/chanteur leader de Rush), Bruce Dickinson (chanteur d'Iron Maiden), Rob Zombie, et au sommet, l'inénarrable Dee Snider, chanteur leader de Twisted Sister.

C'est en effet Snider, frontman aussi talentueux sur scène qu'intelligent à la ville, qui apporte le passage le plus savoureux, et c'est important, celui qui va le plus dans le sens de ce que le film aimerait "démontrer" : le heavy metal a été longtemps injustement critiqué. Mêlant images d'archives et nouvelle interview, le documentaire remémore l'incroyable épisode où Snider est allé témoigner devant le congrès américain et a ridiculisé Tipper Gore, femme du futur vice-président Al Gore, qui menait alors une campagne de dénigrement d'artistes et de groupes dont les paroles de chansons étaient censées être moralement incorrectes. Madame Gore avait établi une liste intitulée les Filthy Fifteen ("les 15 dégoûtants") regroupant les 15 noms de groupes considérés comme dangereux pour la jeunesse par le Centre Parental de Ressources Humaines. Le groupe Twisted Sister y apparaissait.

Snider explique comment il a préparé minutieusement ses réponses, tout en faisant attention à ne pas soigner son look, afin que ses opposants le prennent pour quelqu'un d'illettré et de stupide. Le choc en été que plus grand lorsque ses adversaires ont pris une véritable leçon où Snider a prouvé que ses paroles étaient sujettes à interprétation et qu'on y voyait ce qu'on voulait bien y voir, disant clairement à voix haute que Tipper Gore devait avoir des pulsions sado-masochistes, devant Al Gore (alors avocat), lequel manqua de s'en étrangler ! Pour les curieux, les réponses de Snider au Congrès sont disponibles ici.

Un autre grand moment est le segment passionnant sur le hair metal californien des 80's où sont bien montrés tous les paradoxes de ce courant : musiciens détournant tous les codes de la masculinité en s'appropriant les éléments de la mode féminine (maquillage, permanentes, habits en cuir, etc.), et pourtant extrêmement sexy, considérés alors comme le sommet de la virilité... exactement à l'opposé des codes habituels des autres courants où les éléments machistes étaient souvent légion. Le sujet de l'homosexualité (extrêmement tabou dans le milieu du métal) est d'ailleurs évoqué, et en tant qu'en anthropologue, Sam Dunn apporte des commentaires très pertinents sur les paradoxes de la communauté des fans principalement masculins.

Il est dommage que Sam Dunn ait tenté d'aborder tous les aspects du métal (de l'histoire aux polémiques en passant par la plupart des courants majeurs), car on se retrouve ainsi avec une partie entière sur le black metal, évoquant les inévitables incidents norvégiens avec les quelques extrêmistes satanistes qui n'ont hélas rien à voir avec la musique elle-même...

Au final, le fan de metal risque donc de ressortir avec une impression de frustration tellement chaque sujet, scolairement découpé en chapitre, est survolé. Quand certains thèmes commencent à être approfondis, trop tard, on passe à un autre pas forcément indispensable. Reste que ce documentaire constitue une excellente introduction à ceux qui ne connaissent le heavy metal que par les quelques clichés colportés par les medias généralistes. C'est déjà beaucoup !

7/10

Très grand amateur du réalisateur canadien Vincenzo Natali (Cube, Cypher, Nothing), j'ai découvert le projet Paris je t'aime il y a environ deux ans, en apprenant alors la participation de Natali à ce projet.

Au fil du temps, d'autres noms de cinéastes que j'admire se sont greffés au projet, et pour quelqu'un qui adore le cinéma et Paris (et qui y vit), ce concept d'un court-métrage par arrondissement était très alléchant. Hélas, un désaccord insoluble entre les deux producteurs a conduit à l'évincement de deux segments, obligeant le projet à devenir finalement un assemblage de 18 (et non plus 20) courts-métrages sur des quartiers de Paris, et non plus des arrondissements.

Heureusement, le recentrage vers un découpage plus "carte postale" a été évité malgré tout (les Champs-Elysées n'apparaissent même pas dans le film, ce qui est un soulagement, et les monuments n'ont pas la vedette). De plus, les transitions d'un segment à l'autre sont habiles et évitent totalement la juxtaposition brutale, d'autant plus que les segments trouvent à la fin une convergence.

Même si les segments sont évidemment de qualité variable, il est difficile d'en trouver un de foncièrement raté. Par contre, deux d'entre eux passent à côté du thème imposé (raconter une rencontre amoureuse - pas forcément entre amant et amante ! - mettant en scène Paris) : les segments d'Olivier Assayas (Quartier des Enfants Rouges), et celui de Gérard Depardieu et Frédéric Auburtin (Quartier Latin). Ces deux segments ignorent totalement le quartier où se déroule l'action et auraient donc pu se passer n'importe où. Dommage...

En 5 minutes, difficile de finasser. Les segments les plus séduisants, ou du moins qui marquent immédiatement les esprits, sont donc souvent ceux qui ont misé sur l'audace formelle : Sylvain Chomet (réalisateur des Triplettes de Belleville, dont c'est la première incursion hors de l'animation) et sa vision du quartier de la Tour Eiffel par une histoire drôle, poétique et décalée d'un couple de mimes ; Vincenzo Natali et sa vision du quartier de la Madeleine sous l'angle fantastique, avec une histoire d'amour entre vampires (probablement le segment le plus original quant au type de la rencontre amoureuse !) ; Tom Tykwer (le réalisateur allemand du culte Cours Lola Cours) et sa vision du quartier du Faubourg Saint-Denis avec sa mise en scène en accéléré d'une histoire d'amour poignante entre une actrice américaine (incroyable Natalie Portman) et un jeune aveugle.

La plupart des grands noms ne déçoivent pas. En premier lieu, les frères Coen, avec une saynète dans la station des Tuileries mettant un scène de manière comique (et cruelle !) les déboires d'un touriste étranger (Steve Buscemi, éternel complice des frangins). C'est un des segments qui porte le plus la personnalité de leur créateur, et c'est un tour de force en 5 minutes. Autre réalisateur américain et autre surdoué, Alexander Payne (Sideways) met lui aussi en scène une touriste, ce qui permet évidemment d'offrir une distance de propos propice à l'humour. Pour beaucoup, ce segment sur le 14ème arrondissement (le seul à avoir gardé le nom d'un arrondissement comme prévu par le projet initial) est le plus réussi, et c'est en effet une véritable déclaration d'amour à Paris cette fois, de la part d'une étrangère, avec cet humour un peu mélancolique, mais si fin, qui caractérise Payne.

On pourrait encore parler d'Alfonso Cuarón, d'Isabel Coixet, de Gus Van Sant ou de Wes Craven, qui livrent tous un segment très honnête, mais sans doute en-dessous du talent et de la personnalité qu'on leur connaît. Mais on ne peut pas, pour finir, passer sous silence le très intelligent et émouvant segment du brésilien Walter Salles, qui parvient en 5 minutes à donner dans la veine "sociale" qui est lui si chère. L'acuité de son regard est ici époustouflante : une immigrée sud-américaine (Catalina Sandino Moreno, révélée dans le bouleversant Maria pleine de grâce il y a deux ans) doit abandonner son propre bébé chaque matin pour rejoindre de sa lointaine banlieue le 16ème arrondissement pour y garder l'enfant unique d'un riche couple. D'un seul trait, Salles unit non seulement la banlieue à Paris (le seul à le faire de tout le film), se démarque en parlant d'un amour maternel, et critique implicitement un arrondissement dortoir, riche mais terriblement creux. D'un seul coup, la plupart des autres segments paraissent bien anodins.

Ce projet, évidemment casse-gueule, a réussi à éviter l'écueuil de la carte postale et c'est déjà en soi une immense qualité. A moins de ne pas apprécier à la base les réalisateurs impliqués, il s'agit en outre, à mon avis, d'une chance assez inouïe que de voir une succession de si grands talents, et il est très agréable pour le cinéphile de pouvoir comparer ainsi la conduite de l'exercice de style par ces grands noms, accompagnés la plupart du temps par de grands interprètes.

(pas de note globale, ce qui n'aurait aucun sens ici)

C'est du Royaume-Uni que les meilleurs thrillers horrifiques proviennent depuis quelques temps, et Isolation, premier long-métrage de Billy O'Brien (un Irlandais à suivre de près), vient confirmer cette tendance.

Un modeste exploitant agricole, proche de la faillite, accepte de soumettre son bétail à des tests de fécondation menés par un laboratoire de biotechnologie, sous le contrôle d'une vétérinaire. A l'occasion d'un examen d'une génisse génétiquement modifiée venant de naître dans des conditions atroces, la vétérinaire découvre de troublantes anomalies et alerte son patron, seul à savoir en quoi consistent exactement les expérimentations menées. Il est déjà trop tard ; le vêlage a donné vie à un mutant bovin terrifiant.

Avec un tel pitch, on aurait facilement pu tomber dans une série Z bien ridicule. On est pourtant ici à la croisée de Cronenberg et de Carpenter et c'est un sacré tour de force pour un premier film. Les raisons du succès de l'entreprise sont principalement imputables à une réalisation "réaliste" : presque exclusivement des décors naturels (la ferme est une vraie ferme d'Irlande, complètement isolée et extrêmement austère), aucun trucage numérique, tournage caméra à l'épaule (sans sombrer dans le style documentaire), look "vidéo" dû à l'emploi de caméras numériques, ambiance morne et triste de la campagne reculée irlandaise (pluie, grisaille, solitude...).

Arriver à faire peur avec l'environnement d'une ferme n'était pas gagné, mais c'est ainsi que O'Brien arrive à éviter quasiment tous les clichés des films d'horreur. Le cinéaste parvient ainsi à retourner des situations plutôt ordinaires en sommets de tension (le vêlage compliqué et très stressant ; la scène dans la mare du purin, qui décroche la palme du glauque ; de simples beuglements deviennent soudainement terrifiants, etc.). Ce huis clos dans l'enceinte boueuse, rouillée et claustrophobique de la ferme fonctionne également grâce à l'interprétation très solide d'acteurs pourtant quasiment inconnus (en dehors de John Lynch), qui prennent largement le pas sur les apparitions des "bêtes" (renforçant leur efficacité). Les personnages sont quasiment tous en manque d'argent, et semblent moralement abattus et au bout du rouleau. Cette dimension de misère sociale permet de donner une consistance aux personnages, habituellement absente des films de ce genre, et qui renforce l'aspect réaliste du film.

Isolation est évidemment une critique à peine voilée des dérives scientifiques des apprentis-sorciers de la biotechnologie. Ca marche aussi parce qu'on se dit qu'il doit bien exister des endroits, dans le monde, où de telles expériences "sauvages" sont menées en dehors de tout garde-fou éthique. Notre peur viscérale du "monstre de laboratoire" est ici exploitée pour la première fois dans un environnement rural et bovin et il fallait non seulement y penser, mais aussi y faire croire, sans jamais tomber dans le grand-guignolesque. Mission réussie en dehors de quelques maladresses bien compréhensibles pour un premier long-métrage.

ps: attention, âmes sensibles, certaines scènes de vivisection ou "organiques" sont particulièrement impressionnantes et renvoient à la fascination de Cronenberg pour la chair.

8/10