A terrifying ride down the Lost Highway

Primer, sorti sur seulement 6 copies en France, arrive chez nous avec retard, mais auréolé d'un buzz dû à quelques faits pas communs : tourné à l'arrache chez des amis, primé entre autres à Sundance en 2004 ; écrit, produit, tourné, éclairé, monté, interprété par autodidacte, Shane Carruth, pour une somme ridicule, cela a en effet tout du film culte.

Le pitch semble être une énième variation du voyage dans le temps, sujet inépuisable :

Deux ingénieurs développent à leur temps perdu une machine capable de réduire la masse des objets. Alors qu'ils en sont à peine à considérer les applications pratiques d'une telle invention, ils découvrent une capacité inattendue de leur machine : l'échelle temporelle ne serait pas la même à l'intérieur qu'à l'extérieur. Ils s'empressent d'en construire un modèle suffisamment grand pour en expérimenter les effets sur eux-mêmes...

Néanmoins, le film se démarque par une volonté de coller à un vocabulaire très technique (une bonne partie du film est axée sur la laborieuse élaboration de la boîte et la découverte de ses effets), et à un effet limité : les protagonistes ne se baladent pas dans le temps, ils doivent s'enfermer plusieurs heures dedans pour "revenir" quelques heures dans le passé. Le film tente donc d'être beaucoup plus dans la "science" que dans la "fiction", ce qui est voulu bien entendu aussi par le budget serré, et le background matheux du cinéaste, ingénieur dans la vraie vie.

Formellement, le film est impressionnant pour un coup d'essai en 16mm : les teintes froides, associées à des prises de vue souvent lointaines, confèrent un aspect documentaire, néanmoins tempéré par un montage très inventif. En voyant cela, on peut se dire que Shane Carruth marche sur les pas de Darren Aronofsky (Pi) ou Vincenzo Natali (Cube) : l'exploitation extrêmement futée d'un budget ridicule pour exploiter une histoire hors du commun.

Or, le film prend le pari osé d'être très "rubik's cube", quasiment uniquement axé sur les paradoxes temporels, qu'il ne cherche absolument pas à éviter, au contraire, mais à confronter, ce qui là encore le démarque. Il faut donc une concentration très intense pour arriver à suivre, et encore, il est probablement impossible de comprendre tout du premier coup. Cela ne me pose pas de souci, au contraire, mais le problème est : Primer donnera-t-il envie d'être revu pour mieux en percer le mystère ? Pas sûr, car au-delà de ce simple jeu technique, Primer brille par l'absence d'émotion. Les personnages ne sont pas approfondis et le scénario ne permet pas d'exploiter vraiment ce qu'on comprend vers la fin du film.

Heureusement, Primer ne dure qu'1h17, mais n'y allez pas pour vous divertir, ni même pour espérer débattre du film pendant des heures : Primer est comme un mode d'emploi compliqué, il faut l'avoir sous les yeux pour en tirer quelque chose. Avis aux amateurs...

6/10

On ne présente plus William Friedkin. Il a fallu 10 mois pour découvrir enfin son nouveau film, très remarqué à la sélection de la Quinzaine des Réalisateurs à Cannes en 2006. L'attente était donc élevée, surtout après sa traversée du désert durant les années 90, et l'espoir retrouvé avec The Hunted (2003).

Huis clos adapté d'une pièce de théâtre, Bug ne renie pas ses origines et est une véritable leçon de mise en scène et de direction d'acteurs. A plus de 70 ans, le subversif réalisateur américian montre qu'il a encore un savoir-faire envié.

Bug est ni plus ni moins que la descente aux enfers de deux individus à la dérive et en proie à la paranoïa (qui prend ses origines dans des causes donnant une dimension politique au film). Bug est tellement osé et parfois hystérique qu'on peut arriver à en rire ; oui, ce grotesque est à la fois comique, et terrifiant. Bug est une expérience, qui peut tout à fait se couper d'une bonne partie du public. Si vous avez aimé Naked Lunch de Cronenberg, il ne faut pas rater Bug, qui pourrait aussi bien lui aussi être adapté d'un roman de William S. Burroughs.

C'est finalement assez rare, donc il faut le signaler, le travail sur la bande-son et sa spatialisation est remarquable. Le film perdrait un grand intérêt être vu en stéréo. Enfin, si on veut chipoter, on pourrait dire que Bug est peut-être trop long d'environ 10 minutes pour être presque parfait formellement. Le récit prend le temps de (trop ?) installer les personnages principaux, et le rythme prend ensuite assez brutalement une accélération déstabilisante.

8/10

Il est facile de se moquer des stars de cinéma qui ont tenté de se lancer dans la musique. Il faut dire que les essais de Johnny Depp, Russel Crowe, Bruce Willis ou encore Keanu Reeves ont eu de quoi faire sourire. Jared Leto, lui, quand il a sorti en 2002 le premier disque de son projet 30 Seconds To Mars, a tout de suite mis les points sur les i : l'aventure était diablement sérieuse, avec un disque puissant et original, type "cathédrale sonore", évoquant un croisement de Devin Townsend et de Tool, Leto s'avérant en plus être un chanteur convaincant.

L'acteur de Requiem For A Dream, Fight Club, Panic Room, Alexander, etc., a persévéré et 30 Seconds To Mars a non seulement pas mal tourné, et est donc devenu un vrai groupe, mais a également sorti en 2005 un second disque, moins marqué par le progressif. L'album vient juste de sortir en France cette semaine, et le groupe a donné son premier concert français en début de mois. Alors, que vaut le tombeur de Cameron Diaz et Scarlett Johansson (entre autres, car la liste est longue) sur scène ?

Musicalement, le groupe tient la route, même si on a un peu l'impression d'assister à un concert de Jared et de backing musicians. Mais, il faut avouer que j'ai hésité entre rires et incrédulité. Jared Leto est totalement survolté sur scène, à un point que ça en devient suspect : est-il sous l'emprise d'un excitant ? N'en fait-il pas trop ? La frontière entre "ça le fait" et le ridicule menace à chaque instant d'être franchie, et la sensation de "chiqué" est renforcée par les poses languissantes du bonhomme entre chaque chanson, ou encore ses commentaires répétés à l'envi sur le refrain de "Vraiment, vous êtes le meilleur public qu'on ait jamais eu...". Ajoutons enfin que le concert, si on enlève tous les moments où le groupe ne joue pas, aura duré grosso modo une heure, ce qui est un peu léger dans l'absolu (mais pour ma part, largement suffisant car Jared est finit par être agaçant à ne pas moduler l'intensité de son énergie).

Pourtant, le public achète, et comment ! La grande surprise de ce concert, c'est de constater de visu l'incroyable base de fans que le groupe a su se constituer, démonstration cinglante des following qui peuvent se créer sur Internet, en l'absence totale de promotion traditionnelle ; et pour cause vu que le deuxième album de 30STM est sorti il y a 6 mois aux USA, sort seulement ce mois-ci en France, et n'a donc bénéficié d'aucune promotion encore dans notre pays.

Deuxième surprise, le public est franchement jeune (moyenne d'âge entre 16 et 18 ans), et constitué au moins à moitié de filles totalement hystériques. Ce qui ne cadre pas du tout avec la musique de 30STM. Il y a donc un phénomène Jared Leto intéressant à analyser, pour qui a le temps. Le public connaît par coeur les refrains des chansons, et se pâme à la moindre sollicitation de Jared qui se paie le luxe d'un stage diving qui met sur les dents la sécurité.

C'est donc une impression étrange qui domine : le sentiment d'assister à un concert de boys band pour l'ambiance et pour l'exagération, mais avec des vrais musiciens et une musique franchement originale et travaillée. Jared Leto, lui, semble totalement transcendé par cette dévotion, à tel point qu'on peut se demander si cela ne sur-développe pas son ego ; n'ayant de cesse de répéter en interview que 30STM est un GROUPE, en concert cette impression disparaît totalement, renforcée par les paroles peu fair-play du leader : "Bonjour, je suis Jared Leto, nous sommes 30STM", sans jamais présenter nominativement les autres musiciens. C'est un peu rustre. Ouf, Jared Leto n'a donc pas tout pour lui !

Après l'expérimental Bubble, et en attendant Ocean's 13 en juin, le surdoué Steven Soderbergh s'amuse une fois de plus à brouiller les pistes en multipliant les projets on ne peut plus différents. Cette fois, il s'attaque à un thriller dramatique situé en 1945, en plein Berlin, au moment de la conférence de Postdam. Fort bien, mais Soderbergh s'est lancé dans un exercice de style, consistant à non seulement tourner en noir et blanc, mais à aussi à donner à son film tous les aspects d'un film tourné à l'époque du récit.

Nous avons donc droit à un générique en 4/3, avec les moyens d'incrustations de l'époque ; une image retravaillée pour lui donner des défauts (rayures, tâches) ; une vitesse de défilement légèrement accélérée par moments ; un son parfois défaillant, une musique très appuyée...

Cette démarche peut faire penser à celle de Guy Maddin et son dernier film, The Saddest Music In The World. Néanmoins, si Maddin était allé beaucoup plus loin (lui avait cherché carrément à remonter aux sources du cinéma parlant), il avait également su tirer une étrange modernité de son film par une mise en scène qui elle, n'empruntait rien au passé. Or, Soderbergh, lui, étouffe quasiment son style dans The Good German. En dehors de quelques fulgurances qui lui sont propres, le film dégage une terrible odeur de naphtaline. Si techniquement, l'exploit est sans doute de taille (et la photographie noir et blanc, surexposée et savante, est superbe), on peut se questionner sur l'intérêt d'une telle démarche. Hommage, oui, certes, et alors ?

De plus, tout affairé à sa mise en scène taxidermiste, Soderbergh semble pour la première fois de sa carrière, avoir oublié de se pencher autant sur le scénario, même s'il n'est pas de son oeuvre (mais de celle du scénariste de Donnie Brasco, mais aussi du nanar La Somme de toutes les peurs), et même s'il est adapté d'un roman de Joseph Kanon. Ce qui aurait pu être un terrible constat sur la chasse aux nazis et les prémices de la guerre froide dans cette Allemagne en ruine, se retrouve être une collection d'images sans rythme, sans énergie, et après un bon début, c'est l'ennui qui gagne. Même George Clooney, dont c'est la cinquième participation à un film de Soderbergh, semble ici transparent. Je ne retiens que la performance de Cate Blanchett, qui irradie l'écran. C'est maigre. Grosse déception donc d'un des plus intéressants cinéastes américains. Steven, reprends-toi, vite !

6/10

Après avoir vu ce film, on peut avoir un réflexe : retenir le nom (pourtant un peu compliqué) de Florian Henckel von Donnersmarck. Pour son premier film, ce jeune homme allemand (mais diplômé en philosophie de l'université d'Oxford) de 33 ans s'est permis de rafler quantités de récompenses, et pas seulement dans son pays. C'est amplement compréhensible au vu des qualités de La Vie des autres, si nombreuses qu'on ne les trouve habituellement que dans une oeuvre d'un cinéaste confirmé.

De facture "classique", la mise en scène est discrète mais totalement appropriée à la mise en valeur du jeu des acteurs et de l'émotion. Un soin particulier a été visiblement accordé à la photographie (oeuvre de Hagen Bogdanski, responsable de celle d'Antibodies). Le plus impressionnant, techniquement, reste sans doute la direction des acteurs, car le casting comporte plusieurs pointures allemandes, dont Sebastian Koch (vu récemment sur nos écrans dans le dernier film de Verhoeven, Black Book). Là encore, grand signe de maturité de la part du cinéaste.

Enfin, le scénario aborde, sous une trame de drame, un sujet délicat et ô combien sensible dans le pays d'origine du cinéaste :

Au début des années 1980, en Allemagne de l'Est, l'auteur à succès Georges Dreyman et sa compagne, l'actrice Christa-Maria Sieland, sont considérés comme faisant partie de l'élite des intellectuels de l'Etat communiste, même si, secrètement, ils n'adhèrent pas aux idées du parti.
Le Ministère de la Culture commence à s'intéresser à Christa et dépêche un agent secret, nommé Wiesler, ayant pour mission de l'observer. Tandis qu'il progresse dans l'enquête, le couple d'intellectuels le fascine de plus en plus...

Florian Henckel von Donnersmarck a passé quatre années à préparer son film, en particulier le scénario, et ça se voit. La finesse et l'acuité de sa description du monde impitoyable des rouages de la Stasi démontrent en effet une grande analyse, servie par une interprétation à faire froid dans le dos. Le film nous plonge littéralement dans les heures les plus sombres de la RDA. On peine à croire que tout ceci avait lieu sur notre continent il y a encore moins de 20 ans ! Cette histoire est d'ailleurs inspirée de faits réels, auxquels von Donnersmarck a évidemment rajouté une trame plus romanesque, plaidoyer pour la liberté d'expression artistique et la liberté d'opinion. Subtil, passionnant, intelligent, sans sentimentalisme, La Vie des autres est une très belle surprise qui devrait ravir les cinéphiles exigeants.

8/10