A terrifying ride down the Lost Highway

Ouf, mille fois ouf : même si les producteurs de la tournée This is it n'ont pas eu d'autre choix que de rentabiliser leur investissement par la sortie mondiale de ce making-of des répétitions, on a évité le documentaire pompeux ou larmoyant. Chose incroyable, Jackson y retrouve même un petit peu d'humanité, grâce au parti pris d'axer le doc uniquement sur sa facette d'artiste. Facette pratiquement éteinte depuis de nombreuses années, faute à un MJ en passage à vide créatif et rattrapé par les affaires.

Le doc commence pourtant mal, avec des témoignages de ses danseurs qui évidemment, n'ont pas grand-chose d'autre à dire que c'est le rêve de leur vie ou bien que c'est incroyable de danser aux côtés de MJ. Heureusement, les images suivantes ne durent pas non plus, avec le processus de sélection des danseurs qui viennent des quatre coins du monde : on menaçait de facilement tomber dans le style de certains programmes TV. Rapidement, nous sommes portés au cœur du sujet : des chansons jouées sur scène dans une grande salle vide. Ce n'est donc pas glamour, mais sans une production complète, et sans les paillettes (très amusant de voir MJ danser en anorak), on découvre tout autrement le labeur des artistes à l'œuvre sur scène.

Les chansons sont la plupart du temps complètes, même si les images viennent parfois de répétitions différentes (ce qui entraîne évidemment parfois un décalage flagrant entre la bande-son et ce qu'on voit à l'écran, genre MJ qui ne chante pas alors qu'on entend sa voix). Le plus passionnant reste les coupures et les redémarrages, voulus par MJ lorsque cela ne s'approche pas de son sens de la perfection. L'entendre reprendre son entourage sur tel ou tel détail avec une infinie douceur (mais néanmoins nette détermination) permet de mieux appréhender le génie du bonhomme. En tant qu'entertainer, il n'y avait pas un seul aspect de son show qui lui échappait. Et il faut voir sa capacité de leadership naturelle, tout en douceur, sur l'ensemble de sa troupe : on imagine mieux le choc pour toute cette équipe à la nouvelle de sa disparition.

Par contre, on pourra regretter les bidouillages dans le mixage des chansons. Même s'il ne fait guère de doute que le véritable concert aurait utilisé parfois des bandes, il est étrange de dénaturer ce qu'on voit à l'écran. Cela cadre mal avec l'honnêteté brute des images. La jeune guitariste Orianthi Panagaris voit ainsi sa prestation sur Black Or White être carrément écrasée par la piste originale studio, rajoutée de façon incompréhensible (on entend faiblement à l'arrière plan du mix ce qu'elle joue, il y a des différences notables, trop pour les fans ?). Heureusement, ce n'est pas le cas sur Beat It et Orianthi assure une réplique tout à fait convaincante du solo de Van Halen, avec le bon look et la bonne attitude. Amusant, ce goût de MJ pour les femmes à la guitare (on se souvient de sa fidèle shreddeuse Jennifer Batten), alors qu'elles sont bien rares comme professionnelles à cet instrument.

Ce doc me paraît donc vraiment intéressant à regarder pour tout amateur de musique contemporaine, car il permettra sans aucun doute de jeter un regard différent sur l'artiste le plus mythique et le plus fantasmé de tous les temps. Il est assez (tristement) ironique de se dire que sans cette mort prématurée, nous n'aurions probablement jamais pu voir MJ aussi à nu en tant qu'artiste, avec une sensibilité et des failles. Un vrai making-of d'un véritable concert de la tournée, si elle avait eu lieu, aurait probablement été très différent. Ici, on découvre aussi que MJ était capable d'humour, voire même de bon goût (les séquences détournées du film Gilda). En outre, les titres choisis sont plutôt issus du répertoire funk, pop et soul de MJ ; on évite le dégoulinant naïf des ballades mièvres et les titres insipides, sans mélodies et uniquement rythmiques, de ses derniers albums. Très appréciable !

Par la nature des images du documentaire, il est impossible de le noter, mais il est fortement recommandé. This is it.

300e note publiée sur ce blog...



Xavier Giannoli n'est pas vraiment un débutant. Je n'ai pas vu son film précédent Quand J'étais Chanteur (beau succès critique et public), mais j'avais fortement apprécié la mise en scène de Une Aventure, thriller amoureux qui baignait dans une lumière glacée, et fascinait par son atmosphère, bien que son scénario fut frustrant. Avec A l'origine, Giannoli place la barre bien plus haut, puisque cette fois il aligne fond et forme au même niveau.

Giannoli s'est inspiré d'un fait divers datant des années 90 : un escroc qui vit d'abus de confiance et de petites combines sur des chantiers est pris pour un chef de travaux d'une grande multinationale, suite à une méprise. Il est alors accueilli comme le sauveur qui relancerait un chantier local arrêté depuis deux ans dans une petite ville du nord de la France frappée durement par le chômage. Il y voit l'occasion de réussir sa plus belle escroquerie, mais va se retrouver dépassé par son mensonge.

Le film résonne d'autant plus fort dans le contexte de crise actuel, mais ce n'est qu'une coïncidence, le projet remontant à plusieurs années. Même si la chronique sociale fait mouche, Giannoli n'en fait pas le sujet principal de son film. Il a plutôt été fasciné par la personnalité de l'escroc, au point d'être allé rencontrer le véritable usurpateur, ainsi que que l'ancien juge d'instruction en charge de l'affaire au moment des faits. "Pour la première fois de ma vie, j'étais quelqu'un" : cette phrase du véritable escroc a fait une grosse impression sur Giannoli qui a articulé du coup son film autour des motivations de cet escroc. Il explore la démarche de cet usurpateur pour montrer qu'elle n'est pas seulement crapuleuse, mais aussi existentielle.

Giannoli réussit de superbes moments de grâce, avec des plans du chantier, de nuit, à la limite du fantastique. Les acteurs sont au diapason, François Cluzet est totalement habité et ne surjoue jamais. Seul défaut, c'est un peu long (et encore, la durée a été réduite de 2h35 à 2h10 après sa projection à Cannes). Mais voilà encore un film français qui montre qu'il y a vraiment moyen du faire du haut de gamme dans notre pays, à côté des torrents d'âneries qui se déversent trop souvent dans nos salles.

8/10

Près de trois ans plus tard, revoilà Muse à Bercy, avec un nouvel album qui cartonne une fois de plus sévèrement en France (double platine en deux mois !). Leur dernier gros concert parisien (pas vu pour ma part) datait de la fin de la tournée de Black Holes & Revelations, en juin 2007 au Parc des Princes, avec un certain groupe écossais en première partie : Biffy Clyro.

Ces derniers ouvrent à nouveau pour Muse à Bercy, et c'est une très bonne surprise. Le groupe existe depuis 1998 et a sorti 5 albums, et il est bien connu au Royaume-Uni (plusieurs singles dans le top 10), mais confidentiel encore en France, malgré d'autres premières parties comme celle de Linkin Park en 2008 (à Bercy, déjà). Pourquoi n'ai-je pas découvert ce groupe auparavant ? C'est incompréhensible, car c'est le groupe préféré de Mike Vennart, le leader d'Oceansize, qui a même tourné avec eux ! Oceansize étant eux-mêmes en tournée en ce moment, c'est bien au power trio auquel nous avons droit ce soir, et quel power trio ! Les minettes venues voir Muse ont pris en pleine poire une intensité post-punk rappelant celle de ...And You Will Know Us By The Trail Of Dead.

Le groupe est clairement à classer dans l'emo, ce genre au confluent de plusieurs influences, qui ne donne jamais une image très précise de quoi on parle : un croisement de punk, d'hardcore, de rock et de pop, mais avec des éléments de progressif. Chez Biffy Clyro, ces derniers sont plus fortement présents que la moyenne, et rappellent irrésistiblement Rush. On trouve de nombreux signatures rythmiques aux mesures impaires, subtilités finement incorporées dans des compositions par ailleurs assez directes. En outre, les trois Ecossais savent tous chanter, ce qui produit des chœurs puissants et des lignes de chant partagées, ce qui est à mon sens un des gros points forts du groupe.

Biffy Clyro a donc fait souffler sur Bercy une énergie décoiffante, avec une brochette de titres majoritairement issus du nouvel album Only Revolutions : The Captain, That Golden Rule (la plus prog), Bubbles (très Kings Of Leon), ou encore le single Mountains, leur plus gros carton au Royaume-Uni. Merci à Muse de leur offrir encore une telle tribune ; c'est également assez osé de leur part car avec la même sono, Biffy Clyro n'aurait pas eu grand-chose à leur envier en terme d'impact.

Quant à Muse, je pourrais pratiquement faire un copier/coller de ce que j'avais écrit sur leur Bercy de 2006. The Resistance ayant creusé un peu plus la veine du space rock de Black Holes & Revelations, la production spectaculaire de cette tournée est à l'avenant : plus dantesque encore, mais heureusement, un peu plus travaillée, ou du moins plus maîtrisée. On est moins dans la débauche pure de lights, la scénographie est un peu plus raffinée, notamment grâce à ce concept des trois colonnes qui s'ouvrent, qui servent à la fois d'écrans, de plateformes et de lights.

Grosse surprise, la scène est circulaire, mais placée au fond de la fosse ; choix bizarre, d'autant que tous les gradins sont accessibles, mais le public n'en est pas informé. Du coup, peu de monde "derrière", et le groupe ne se retourne pas souvent, mais Bellamy joue le jeu et virevolte en prenant soin de regarder et saluer aussi le public assis juste à côté ("derrière") eux. Quant à Dominic Howard, il a une batterie qui pivote à 360° de temps en temps. Je suis allé voir les rappels de ce point de vue, et bien m'en a pris car la sensation est fantastique : on est très près du groupe, on voit ce que eux voient de la scène (c'est très impressionnant), et on a la sensation rare d'être pratiquement sur scène, tout en voyant tout ce qui se passe en coulisses au niveau de la production. De surcroît, la scène circulaire est bien sonorisée à 360°, et le son était bien meilleur "derrière" sans la réverbération due à la taille et la nature de la salle.

La qualité de la production scénique a un revers de la médaille dont je parlais déjà dans mon billet sur Bercy 2006 : "trop minuté, trop rodé". C'est inévitablement le cas cette fois encore, et les puristes regretteront que ce manque de surprise se retrouve dans la setlist, qui - en dehors du nouvel album très favorisé - aligne les singles incontournables du passé. Une petite surprise vient du seul titre de Showbiz, à savoir une version de Cave sans guitare (remplacée par le piano), ce qui lui donne vraiment un feeling différent et fort plaisant. Il serait injuste de ne pas citer également les trois ou quatre interludes instrumentaux, qui proposent tous des tourneries infernales qu'on aimerait voir se retrouver dans de futurs morceaux : on naviguait entre Black Sabbath, Led Zeppelin, et Dream Theater (clin d'œil ?). A part ça, c'est le rouleau compresseur, et on peut être partagé entre le sentiment de trouver tout ça un peu trop pompier, et celui de penser qu'au fond, ça le fait grave quand même. C'est que Muse reste vraiment incontournable sur scène, et comme Queen à leur époque, ils sont toujours juste à la frontière du "too much", mais restent dans le bon goût. Et quelle musique. Quelle musique... !

Setlist:
01. Intro : We Are The Universe
02. Uprising
03. Resistance
04. New Born
05. Map Of The Problematique
06. Supermassive Black Hole
07. MK Ultra
08. Hysteria
09. United States Of Eurasia
10. Cave
11. Guiding Light
12. Undisclosed Desires
13. Starlight
14. Plug In Baby
15. Time Is Running Out
16. Unnatural Selection

Rappel:
17. Exogenesis Symphony Part I : Overture
18. Stockholm Syndrome
19. Knights Of Cydonia

The Flaming Lips de retour en Europe à l'occasion de la sortie de leur 12e album ? Impossible de rater cela, tant leur concert d'avril 2006 au Bataclan reste pour moi un benchmark de l'euphorie que peut provoquer un groupe sur scène. Les Lips ne jouant pas en headlining à Paris sur cette tournée (ils ont fait la première partie de Coldplay au Parc des Princes en septembre), direction Bruxelles pour prendre sa dose de ce groupe addictif.



Si un show des Flaming Lips tient du rituel (bon nombre de gimmicks sont totalement incontournables et relèvent désormais pratiquement du culte), Wayne Coyne reste un des artistes les plus créatifs de la planète. De l'audace, encore et toujours : avec un nouvel album intitulé Embryonic (qui rompt fortement avec l'orientation musicale des trois précédents albums), le groupe se paye le culot d'illustrer ce titre en arrivant sur scène par l'irruption littérale hors d'une matrice féminine projetée sur leur écran géant. Wayne en profite pour s'enfermer dans sa bulle en plastique géante qui se gonfle sous nos yeux, et c'est parti pour une introduction instrumentale pendant laquelle Wayne vient dire bonjour au public en lui surfant dessus. Effet garanti !



Une fois Wayne revenu sur scène, les Lips placent tout de suite la barre très haut en attaquant par le classique et énergique Race For The Prize, et déclenchent immédiatement l'euphorie avec les machines à confettis, et à serpentins, des dizaines de ballons géants, et l'ambiance inénarrable régnant sur scène avec les fans déguisés de chaque côté de la scène. Le concert est commencé depuis quelques minutes, et c'est déjà totalement surréaliste !



Néanmoins, les Lips, ce n'est pas le cirque ; si les concerts du groupe sont unanimement salués par la critique et par le public dans le monde entier, c'est bien parce qu'à la base, les Lips œuvrent dans un rock indé aux arrangements complexes et psychédéliques, et aux paroles parfois délirantes mais souvent graves. Wayne Coyne sait mieux que quiconque comment faire passer aux spectateurs un moment inoubliable tout en sachant faire passer l'émotion et des messages, avec subtilité, au bon moment. Les nombreuses idées de mise en scène ne sont qu'une façon de rendre le public hyper réceptif et totalement en phase avec leur musique de grande qualité. C'est probablement ce qui explique l'effet euphorisant et parfois hypnotique d'un concert des Lips.

Embryonic, le nouvel album, prend d'ailleurs tout son sens sur scène. Expérimental, l'album l'est assurément, et peut se révéler difficile d'accès au néophyte. Néanmoins, sur scène, c'est grandiose, et on en vient presque à regretter qu'ils n'en jouent que cinq titres (et encore, I Can Be A Frog fut improvisée, un spectateur ayant crié ce titre pour l'obtenir !). Il est remarquable de constater que malgré leurs arrangements complexes sur disque, les chansons des Lips ne perdent aucunement de leur force sur scène (et sans aucune utilisation de samples !), preuve de la qualité intrinsèque de leurs mélodies.



On peut nourrir un seul regret, c'est la durée d'1h40 "seulement" du concert, mais mieux vaut finalement un concert d'une telle intensité et sans aucun temps mort que prendre le risque d'une dilution sur une durée plus longue. Il faudrait néanmoins que le groupe tourne plus souvent en Europe afin de pouvoir reprendre sa dose sans avoir à attendre plus de trois ans !

Setlist:
Intro (Spaceball)
Race For The Prize
Silver Trembling Hands
The Yeah Yeah Yeah Song
Fight Test
Convinced Of The Hex
Evil
I Can Be a Frog
See the Leaves
Yoshimi Battles the Pink Robots
Pompeii Am Götterdämmerung
The W.A.N.D.
She Don't Use Jelly

Rappel:
Do You Realize??

"Son tout premier long métrage, Donnie Darko, a acquis avec les années le statut privilégié de film culte. Son second, Southland Tales, divisait davantage la critique mais confirmait que nous étions face à une personnalité de réalisateur hors normes. Avec The Box, Richard Kelly quitte les tourments adolescents mais confirme plus que jamais son refus d'entrer dans le moule hollywoodien. L'histoire s'inspire de la nouvelle Le Jeu du Bouton de Richard Matheson, un récit bref et minimaliste écrit par l'auteur en 1970 et qui avait déjà fait l'objet d'un épisode de La Quatrième Dimension en 1986. S'essayant pour la première fois à adapter l'histoire d'un autre, Richard Kelly l'extrapole pour en tirer une fable émouvante et apocalyptique portant plus que jamais sa marque, et signe par là même son film le plus adulte.

Virginie, 1976. Quelques années après les premiers pas de l'homme sur la Lune, l'être humain a les yeux tournés vers le ciel, rêve de conquête de l'espace et ambitionne de percer les mystères de la planète Mars, tandis que la littérature de science-fiction se penche sur les problèmes de nos sociétés. Un contexte qui participe pleinement à conférer à The Box une tonalité métaphysique alors même que l'histoire nous plonge d'emblée dans le quotidien banal de ses deux personnages principaux, Norma (Cameron Diaz) et Arthur Lewis (James Marsden), dont l'écriture s'inspire tout à la fois des personnages de la nouvelle et des propres parents du cinéaste (son père a effectivement travaillé pour la NASA sur un projet d'exploration de la planète rouge).

Si le film conserve le principe de la nouvelle d'origine, à savoir l'apparition dans la vie du couple d'une boîte au pouvoir effrayant, celui de procurer un million de dollars en échange de la vie d'un inconnu, l'adaptation à proprement parler ne fait l'objet que d'un premier acte. Dans les deux qui suivent, Richard Kelly se réapproprie le matériau d'origine pour en creuser le sens, révèle les richesses du récit énigmatique de Matheson à travers le prisme de ses thématiques personnelles. The Box installe un véritable mystère qui ne dévoile ses cartes qu'au compte-gouttes, distillant d'abord quelques fausses notes dans le quotidien des Lewis pour glisser vers la science-fiction pure et évoluer vers une émouvante quête de rédemption".

Jusque là, je n'aurais pas eu un seul mot à changer à la critique du film parue sur FilmsActu.com. Seulement, c'est bien ce glissement du scénario vers la science-fiction que j'ai personnellement fortement regretté, le talent de Kelly pouvant totalement s'affranchir de ce type de recours.

En effet, en convoquant des explications de genre, Kelly efface considérablement le charme et la fascination du mystère et des non-dits installés dans la première heure du film. On perd alors évidemment beaucoup de poésie ou de surréalisme, alors qu'il y réussit des scènes d'une puissance proche de Lynch, voire de Kubrick.

Néanmoins cette adaptation de la nouvelle de Matheson confirme que Kelly est vraiment un metteur en scène atypique, et foncièrement doué, si bien qu'on ne s'ennuie guère. Dès les premiers plans, on comprend qu'on est face à un travail d'orfèvre d'un niveau vraiment rarissime. Il y a même de quoi être surpris de ce qu'il a réussi à obtenir d'une actrice plutôt fade comme Cameron Diaz, qui apporte ici gravité et émotion.

Richard Kelly devrait peut-être laisser l'écriture de ses scénarios à un autre. Ici, The Box ouvre des perspectives relativement vertigineuses, mais inabouties, et c'est fortement fustrant. En attendant son prochain film, on reverra encore et toujours Donnie Darko, œuvre jalon des années 2000, toujours au top 250 d'IMDb.

8/10